NIX-RUO

Hay un momento en la trayectoria de un artista en el que la materia deja de ser un simple soporte para convertirse en el mensaje mismo. En la producción que Nix Ruo explora en 2026, ese umbral ha sido cruzado. El artista presenta un díptico de tondos —formato circular perfecto que nació en el Renacimiento italiano (rotondo) para albergar representaciones sagradas y escudos donde la composición se ve obligada a cerrar sobre sí misma—. Sin embargo, el círculo perfecto de Ruo no proviene de una tienda de arte; fue hallado en la calle.

Se trata de dos tapas de hojalata pertenecientes a tambores de 200 litros que transportaban hidrocarburos. El artista las recogió de la vía pública, un gesto estético y político que evoca de inmediato a Antonio Berni. La conexión no es casual: en los años 70, Berni era vecino de taller del comercio que tenía la familia Ruo en el barrio de Almagro. El maestro rosarino le pedía a Pocho, padre de Nix, cajones de fruta vacíos y chapas viejas para construir la mítica iconografía de Juanito Laguna. Cincuenta y cuatro años después, aquel niño que llevaba los pedidos en canasta recupera el metal desechado de la urbe contemporánea para transmutarlo en iconos actuales.

A sus 63 años, el flamante ganador del Segundo Premio del 91° Salón de Otoño de la SAAP (con su obra Atenea) cierra un círculo biográfico: transforma el descarte industrial más contaminante en un altar de contemplación.

Tondo 1 - Bizancio: El ícono herido

De marco negro y dominantes de oro y rojo velado, esta es la pieza interior, mística y alquímica del conjunto. Trabajar sobre la hostilidad del metal requirió una preparación especial de la chapa: un proceso de desengrasado profundo y la aplicación de una imprimación mordiente para que el soporte industrial tolerara la posterior convivencia de los materiales. En el borde inferior, sin embargo, Nix Ruo decide no ocultar los restos del negro aceitoso original del barril, permitiendo que la historia del material respire.

Sobre esa superficie, el artista despliega una sofisticada técnica mixta. Primero, la volatilidad y planitud del esmalte sintético en aerosol establece una base de impronta urbana y fabril. Luego, Ruo aplica un dorado texturizado a espátula, mezclado con arena y polvo, que huye del preciosismo ornamental de Gustav Klimt o del brillo contemporáneo. Es un oro sucio, rascado y herido, emparentado directamente con el pan de oro de las pinturas bizantinas que sobrevivieron a la destrucción. En el arte de Bizancio, el fondo dorado no representaba la luz del sol, sino que era la luz divina. Ruo resignifica esta tradición: aquí el oro es la transmutación directa de lo profano —el residuo de combustible— en algo sublime.

Es en el tratamiento del color donde la obra alcanza su mayor densidad conceptual. Mediante la superposición de capas muy delgadas de acrílico y óleo —la técnica tradicional de las veladuras—, Ruo emula el pilar fundamental que definió la etapa clásica del expresionista abstracto Mark Rothko. Lejos de aplicar bloques de pintura planos y uniformes, el artista crea una compleja profundidad visual y emocional superponiendo una capa tras otra. Gracias a este misticismo cromático, bajo el campo áureo palpita una columna vertical de rojo latente, como una brasa que emerge desde las entrañas del metal. El marco negro funciona como el vacío del contenedor original y el negativo fotográfico que resguarda la información. Es una obra que exige silencio, tiempo y luz diurna para que las veladuras revelen el rojo que late en su oscuridad.

Tondo 2 - Caos: La Titanomaquia

De marco dorado y dominantes de azul turquesa y rojo, esta segunda pieza representa la fuerza exterior, violenta y cosmogónica. Sobre la misma tipología de chapa recuperada y preparada para la técnica mixta, la estrategia pictórica es diametralmente opuesta. Aquí, la superposición de capas al modo de Rothko no busca la quietud mística, sino la colisión tectónica: franjas horizontales y agresivas, ejecutadas con una espátula ancha, chocan con furia contra el límite circular del soporte.

En este tondo, el esmalte sintético en aerosol y el acrílico conviven en una tensión eléctrica. Un azul turquesa vibrante —de sensibilidad casi Klein— se rasga con violencia mediante la espátula para dejar entrever, gracias a las transparencias de las veladuras, chispazos sulfúricos y destellos dorados subyacentes. En la zona inferior, un rojo sangre denso y chorreante ocupa el espacio a la manera de un magma primordial. Si el tondo de Bizancio apela a Mnemosyne (la Memoria), Caos escenifica a Urano y Gea separándose en el origen del mundo; es la Titanomaquia de Hesíodo en pleno choque de fuerzas.

El marco áureo —el propio borde abollado e imperfecto del tambor, pintado de dorado— intenta contener el desborde interior. Es el principio apolíneo intentando domesticar la pulsión dionisíaca. Donde uno es introvertido, el otro golpea; donde uno invita al recogimiento, el otro desata la fuerza de los elementos a través de la materia acumulada.

Un díptico inseparable: La foto y su negativo

Contemplados de forma aislada, nos encontramos ante dos potentes piezas de abstracción matérica. Sin embargo, en su conjunto operan como una sola obra indisoluble, funcionando bajo la lógica del positivo y el negativo de un rollo fotográfico analógico.

Caos es el positivo: explícito, brutal y cromáticamente estridente. Bizancio es el negativo: toda la información está allí gracias a la profundidad de sus múltiples veladuras, pero de forma invertida y oculta, esperando que la pupila del observador se adapte a la penumbra dorada para descubrir la sangre que habita debajo.

Esta dualidad es la continuación natural de su aclamada serie Teogonía Plástica. Si aquella producción narraba el violento nacimiento de los dioses, este díptico de 2026 —que bien podría denominarse Bizancio Interior— indaga en el residuo sagrado que queda tras la batalla. Es el paso definitivo del color-pigmento al color-luz; el oro metafísico que queda cuando la diosa Atenea se quita el casco de guerra.

El díptico no admite fragmentación. Ambas piezas exigen ser exhibidas juntas, idealmente a una distancia de 1,20 metros entre sí, a la altura de los ojos y despojadas de cualquier vidrio protector que interrumpa el diálogo físico con el espectador. Solo la luz puntual y cálida del día es capaz de activar la rugosidad de la arena, la laca del aerosol y la transparencia del óleo para revelar la verdad del taller: Nix Ruo no está pintando sobre barriles; está convirtiendo el metal herido en un altar de nuestro tiempo.

Ficha técnica

• Artista: Nix Ruo
• Título: Tondo 1 (Bizancio) y Tondo 2 (Caos) — Serie 2026 en proceso.
• Técnica: Técnica mixta (esmalte sintético en aerosol, acrílico, óleo, arena y dorado) sobre chapa de tambor de hidrocarburo recuperada (díptico).
• Dimensiones: 60 cm de diámetro aprox. cada uno.
• Origen: Atelier Buenos Aires.

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